Unglaublich, jetzt ist das damalige Comeback-Album The Magic Whip auch schon wieder acht Jahre alt! Für mich ist es in der Nachbetrachtung weiterhin äußerst gelungen, ohne die Wucht der Werke der 90er– und frühen 2000er Jahre zu erreichen. Die Platte war allerdings vor allem spannend, weil hier die Stärken zur Geltung kamen, die vor allem die Formationen und Nebenprojekte – und Verarbeitung damit verbundener Eindrücke und Erlebnisse – der Mitglieder um Damon Albarn ausgemacht haben. Damit meine ich sicherlich nicht nur die Gorillaz! Seit der Veröffentlichung von The Magic Whip ist ja nun wirklich auch wieder einiges passiert. Was zeichnet nun folglich das neue Werk The Ballad Of Darren aus? Nun, die britische Band musiziert wahrscheinlich nicht mehr, um zuvorderst Innovationen zu bieten, zumindest nicht mehr in dem umfangreichen Maße wie in den Hochzeiten. Aber wer erwartet das ernsthaft? Es reicht schon aus, wenn man es so raffiniert umsetzt wie hier. Denn eines beherrschen Blur wie kaum sonst jemand: das Songwriting. Großartige Arrangements, wundervoll-hymnenhafte Melodien (ein bisschen im Stil der letzten beiden Arctic Monkeys-Alben) und hintergründige Texte (vor allem über die Herausforderungen des Menschen in der heutigen Zeit), so dass man wiederum sagen könnte, dass die innovativen Ideen keineswegs ausgegangen sind. Großen Eindruck hinterlassen sie immer noch, was mit fantastischen Songs wie The Narcissist – für mich schon jetzt einer der besten Songs dieses Jahres – unter Beweis gestellt wird. Blur sind einfach immer noch bewundernswert!
Ich hatte heute auf der Arbeit einen sogenannten „Teamtag“, in dessen Rahmen wir uns auch gegenseitig vorstellten, da das Kollegium momentan aus vielen Neuen besteht. Es war ein Fragebogen auszufüllen, unter anderem die Frage nach der Lieblingsband. Ich musste gefühlt keine zwei Sekunden warten, um eine passende Antwort zu finden. Ich habe einige Favoriten, aber eine seit über einem Viertel-Jahrundert bestehende Formation aus Seattle hat es mir besonders angetan: Queens Of The Stone Age. Dies ist unabhängig von der Besetzung zu sehen, wobei ja der großartige Frontmann Josh Homme das einzig verbliebene Gründungsmitglied ist. Klar, diejenige zu Zeiten des Meilensteins Songs For The Deaf war mit ihm, aber auch Dave Grohl, Nick Oliveri, Mark Lanegan sowie weiteren fabelhaften Mitmusiker*innen und -streiter*innen (Natasha Shneider, Dave Catching etc.) die Bombastischste, aber ebenfalls auf den anderen Werken waren tolle Personen dabei. Vor allem: ich höre die Musik zu jeder Zeit, zu jeder Gelegenheit, zu jedem Wetter, in jeder Ortschaft und und und…Es hat mir auch nichts ausgemacht, dass die Queens Of The Stone Age auf dem Hurricane Festival 2013 nur so kurz gespielt haben. Ich habe kürzlich den Live-Auftritt der diesjährigen Ausgabe bei Arte gesehen und habe mir irgendwie gewünscht, wieder dort vor Ort zu sein, so gebannt war ich von der mitreißenden Performance von Homme und Co. Er spielte natürlich die Klassiker, aber eben auch neue Songs, die sich auf dem achten Album In Times New Roman… befinden. Ich fand sie sofort gut. Und mittlerweile gehört es sicherlich zu den meistgehörten Alben dieses Jahres von mir! Es bildet mit dem bereits zehn Jahre alten …Like Clockworkund Villains (2017) eine Trilogie, allerdings wird sich in Sachen Soundbild umorientiert bzw. man nähert sich vor allem den alten Tagen der Rated R– und Songs For The Deaf-Phase Anfang dieses Jahrtausends an. Gewürzt wird dies mit viel Psychedelia und einigen Experimenten. Dies schlägt sich in den vielseitigen Arrangements und tollen Melodien nieder (z.B. dieser schöne 70er-Glam-Rock-Touch im Refrain der Single Emotion Sickness). Das beeindruckt sehr, vor allem weil Homme textlich ziemlich klar ist. Er hatte scheinbar einiges zu verarbeiten (Scheidung von Brody Dalle, seine überwundene Krebserkrankung letztes Jahr, Tod einiger Wegbegleiter wie Mark Lanegan und Taylor Hawkins etc.). Richtig starkes Comeback von den Queens Of The Stone Age, was für mich erneut deutlich macht, warum sie meine Favorites sind und bleiben!
Ich kann mich noch gut erinnern: es war 1997, als auf einer Bravo Hits – Compilation das großartige Lied Barrel Of A Gunenthalten war. Ja, Ihr – liebe Leser – werdet Euch fragen, eine absolut kommerzielle Mainstream-Songsammlung bringt ihn mit dieser legendären Formation in Kontakt? Hmmm ja… ich würde gerne etwas anderes erzählen, aber dies war der Fall. Ich hatte sicherlich mal was von Just Can’t Get Enoughoder Enjoy The Silence gehört, aber konnte das sicherlich nicht Depeche Mode zurechnen. Mit 13 Jahren war ich einfach zu sehr im Charts-Mainstream verstrickt. Aber mit Hilfe meines Vaters wurde ich in der Folge mit der Musik abseits bekannter Pfade vertrauter gemacht, unter anderem – wie sollte es anders sein? – eben mit den Depeche Mode-Sounds. Heute bin ich wie so viele Menschen auf dieser Welt ein glühender Verehrer! Dann kommt der Umstand dazu, dass das neue Album Memento Mori genauan meinem Geburtstag erschienen ist. Nun, wie ist es denn abgesehen davon, aus rein – hüstel – objektiver Sicht? Es ist ja einiges seit dem letzten Werk Spirit (2017) passiert und der bewährte Veröffentlichtungs-Turnus (seit 1993 sind alle 4 Jahre Alben von Depeche Mode erschienen) wurde dieses Mal nicht eingehalten. Kein Wunder, ist doch unter anderem letztes Jahr Langzeitmitglied Andy Fletcher verstorben (R.I.P.). Wie so oft kann aus tragischen Momenten aber richtig gute Musik erwachsen und dies ist auch auf Memento Mori passiert! Es ist klar, dass das Thema hier vorgegeben ist, aber es werden weitere wundervoll-reflektierte und selbstkritische Sichtweisen auf Lebensereignisse und Grundsatzfragen geworfen. Es ist sicherlich so, dass Fletcher eine vermittelnde Rolle zwischen den langjährigen „Streithähnen“ Dave Gahan und Martin Gore eingenommen hat, doch gerade angesichts seines Verlustes scheinen die beiden Musiker sich zusammengefunden zu haben. Denn auch musikalisch ist das hier wirklich stark, instrumental und melodietechnisch abwechslungsreich ausgestaltet und zeitgemäß produziert. Wunderbar, also meiner Meinung nach auch aus …äh…objektiver Sicht. Naja, Ihr wisst bestimmt schon, was ich meine! 😊
Insgeheim ist ja wohl bei so jedem/r Musikhörer/in der Wunsch vorhanden, dass der/die Lieblingskünstler-/in seinen Sounds stets irgendetwas Neues beifügen kann. Selbst jene Fans, die über viele Jahre/Jahrzehnte „ihren Stars“ die Treue halten, werden sich mal ganz im Geheimen freuen, wenn der eine Ton oder die eine Melodie nicht sofort zu erwarten war. Jeder weiß ja, dass in der Musik die komplette Innovation, derzufolge ein Sound als komplett neu einzuschätzen ist, schon einige Zeit zurückliegt. Nun, umso schöner, wenn in bestimmten Genres sich jene Künstler/innen hervortun, die es schaffen, die verschiedensten Stile so zusammen zu bringen, dass etwas bisher kaum bis vorher nie Gehörtes entsteht. In einer Zeit, als der Indie-Rock in den 2000er Jahren seine Hochzeit feierte bzw. dann schon wieder etwas an Strahlkraft zu verlieren begann, kam ein Brite daher, der dieses Genre mit Punk, Hip-Hop, Folk, Ska, Reggae, Electro und so vielem mehr zu verbinden verstand, dass das einfach eine absolute Freude war: Jamie T. Diese Unverkrampftheit, dieses Direkte, dieses Unerschrockene, das war einfach erfrischend! Panic Prevention (2007) und Kings & Queens (2009) waren voller Punk-Energie, ganz im Sinne eines „Ein-Mann-Arctic-Monkey“, der eine Mischung aus Joe Strummer und Mike Skinner darstellt. Vor allem: der 36-Jährige hatte schon seit Anbeginn ein Händchen für das Schreiben von Hits, davon zeugen bis heute Songs wie If You Got The Money, Calm Down Dearest und Sticks ‘n‘ Stones. Nicht zu vergessen, die großartigen Geschichten, die er über seine Landsleute oder andere gesellschaftliche Grundsatzfragen, aber auch seine eigenen Angelegenheiten und Probleme (seine Panikattacken z.B.) zu erzählen versteht. Das fünfte Werk The Theory Of Whatever, das 6 Jahre nach dem Vorgänger Trick erscheint,stellt für mich das erwünschte Comeback dar. Großartige hymnische Melodien, die so schön und ausgeklügelt verschachtelt sind und wieder in die verschiedensten Musikrichtungen geöffnet sind. Innovativ ist das irgendwie doch immer noch ein bisschen. Die Unerschrockenheit und positive Verrücktheit, vor allem der Spaß, sind zumindest immer noch vorhanden. Und das ist absolut erfreulich!
Ich habe es ja an dieser Stelle schon allzu oft geschrieben, dass ich alles dafür geben würde, The White Stripes live zu erleben. Doch ich bezweifle, dass es irgendwann der Fall sein wird, dass Jack und Meg White sich wieder treffen und Live-Auftritte planen. Obwohl, vielleicht bei diesem ganzen Reunion-Wahn in den letzten Jahren, wieso eigentlich nicht? Man darf ja wohl noch träumen dürfen! The White Stripes sind aus verschiedenen Gründen einer meiner ewigen Lieblingsbands! Kommen wir zu den anderen Bands von Jack White und seiner Solo-Funktion…ach Moment, das habe ich ja schon mal so oder so ähnlich geschrieben, damals zu meiner „Kontrovers“-Kritik zu Jack Whites Boarding House Reach (2018). Ich habe damals eine 2,7 (also „okay“) als Bewertung gegeben. Jetzt muss ich aus der heutigen Sicht sagen, dass mir nicht so viel aus dem dritten Solo-Album in Erinnerung geblieben ist. Klang dann doch alles irgendwie zu ähnlich. Es macht ja dann eigentlich keinen Sinn, das bei dem weiteren Werk des 46-Jährigen erneut durchzuexerzieren. Oder vielleicht doch? Hmmm…Ich muss sagen, dass mir im Vorhinein die Singles doch recht gut gefallen haben, weil irgendwie vielfältig instrumentiert und mit einer Menge Fun im Blues-/Garage-Rock-Bereich! Fear Of The Dawn bietet auf Albumlänge doch eine Menge an gut geschriebenen Songs, die gerade aufgrund dieses Fakts, dass Jack White hier befreit aufzuspielen scheint, doch Eindruck hinterlassen. Nein, natürlich nicht auf dem Niveau der frühen White Stripes-Veröffentlichung oder des ersten Raconteurs-Werkes. Aber: ich kann der neuen LP schon etwas abgewinnen. Ähnlich wie vor kurzem The Darkness wird nichts unbedingt allzu Neues geboten, aber dennoch gezeigt, dass Rock immer noch jede Menge Spaß machen kann. Hätte man durchaus ja vergessen können, oder nicht? Was sagt ihr dazu? Was haltet ihr von Fear Of The Dawn? Auf eure Meinungen bin ich gespannt 😊
Die Sparte „Kontrovers“ habe ich vor einigen Jahren ins Leben gerufen, um zu zeigen, dass ich nicht immer der gleichen oder ähnlichen Meinung von Kritiker/innen aus Fachzeitschriften, Online-Magazinen und anderen Medien bin. Das Abfeiern oder das Abwerten von Alben kann ich nicht grundsätzlich nachvollziehen. Da gab es ja schon einige Beispiele. Andererseits habe ich es oft schon gehabt, dass ich schon ähnlicher Meinung war, ich ebenfalls positive Ansichten über ein Werk vertreten habe. Meistens war von einem Meisterstreich die Rede, aber ich war noch nicht vollauf begeistert. Nun, jetzt angesichts des Erscheinens von Things Take Time, Take Time, dem neuen Album der gefeierten australischen Künstlerin Courtney Barnett, ergibt sich noch eine weitere Ausgangslage. Denn die Kritiken – zumindest in deutschen Medien – sind größtenteils noch etwas verhalten, was angesichts der Reaktionen, die es auf die Vorgänger gab, mich schon etwas verwundert. Jammern auf hohem Niveau sozusagen! Es liegt wohl daran, dass ich das Werk richtig klasse finde. Nein, es ist kein Meisterwerk, aber ich bin da im Vergleich zu manchen Kritiker/innen doch schon begeisterter. Es gibt erneut wieder spannende als auch entspannte Perspektiven auf das Alltagsleben, mit Humor und textlichen Feinheiten kombiniert. Die Songs haben direkt ihre Wirkung bei mir erzielt, weil mir ebenfalls der musikalische Aufbau mit originell-lässigen Melodie- und Harmoniestrukturen (wie in Rae Street, Turning Green oder Write A List Of Things To Look Forward To) zusagt. Nein, Things Take Time, Take Time ist wie bereits erwähnt auch in meinen Augen kein Meisterwerk, jedoch schon ein weiteres sehr gutes Album in der eindrucksvollen Diskografie der charismatischen Sängerin, oder nicht? Was sagt ihr zu der Platte? Auf eure Meinungen bin ich gespannt!
Es ist nicht einmal ein Jahr her, als die Ärzte das wirklich gelungene Comeback-Album Hell nach 8 Jahren Platten-Pause vorlegten. So schrieb ich damals: „(…) vor allem die Texte sind wirklich gut geraten, mit gewohnt bösen, bissigen, ironischen und lustigen Stellungnahmen zu Politik und Gesellschaft. Natürlich fehlt da nicht der Klamauk, aber es sind eben diese direkten Statements zu zum Beispiel Rechtsextremismus, Schönheitswahn oder Chris Hemsworth, die mir imponieren.“ Vor allem möchte ich in diesem Zusammenhang betonen, dass mir der klamaukige Stil gerade bei den Ärzten sehr oft ja auch gefallen hat. Vor allem dann, wenn jeglicher Respekt gefehlt hat, der Humor mehrere Ebenen aufbot und hinter dem Ganzen eben besagte bissige Kommentare zu zeitgemäßen Geschehnissen und Entwicklungen steckten. Jetzt ist der Gegenpart zu Hell – ja Dunkel eben – erschienen. Und dieser Nachfolger ist mit gemischten Kritiken bedacht worden, was ich total nachvollziehen kann. Irgendwie bleibt kaum eine Textzeile bei mir hängen, kaum ein Song hinterlässt mit seiner Melodieführung Eindruck. Es wirkt alles so verkrampft, gerade im direkten Vergleich zu Hell. Nein, Dunkel ist für mich keine Katastrophe, das Album ist schon gut produziert, dennoch bleibt wie gesagt kaum etwas hängen. Und das ist schon – vielleicht auch aus meinem Respekt für Die Ärzte heraus – enttäuschend für mich. Was sagt ihr zu dem Album? Auf eure Meinungen bin ich gespannt!
Ich möchte jetzt nach über 25 Jahren hier nicht noch einmal den „Battle Of Britpop“ in allen Details ausbreiten, der ja von der Presse damals heraufbeschworen wurde und als „(…) the greatest pop rivalry since the days of the Beatles and the Stones“ bezeichnet und behandelt wurde. Natürlich lässt sich eine Frage, welche der beiden Bands die bessere ist, schon vor allem aus subjektiver Perspektive heraus beantworten, doch muss das wirklich sein?!? Denn ähnlich wie bei den Beatles und den Rolling Stones ist doch eigentlich kaum zu bezweifeln, dass beide Gruppen unheimlich wichtig sind. Sowohl Blur als auch Oasis haben großartige Werke und Songs geschrieben und den Pop und Rock revolutioniert – und somit eben nicht „nur“ den Britpop der Zeit. Dieser gab den Musikfans ab den frühen 1990er Jahren das Gefühl, dass essenzielle Bestandteile verschiedenster Sounds und damit zusammenhängender Lebenseinstellungen und Botschaften aus 30 Jahren Pop und Rock – eben auch von den genannten Beatles und den Rolling Stones, aber auch anderen Formationen der Jahrzehnte zuvor (vor allem der Modbands der 1960er Jahre sowie des 1980er Indie-Rocks), und mit dem „Modfather“ Paul Weller als treibende Kraft des Genres – wieder eine Renaissance erleben durften. Mit einem britischen Anstrich versehen und als Ausdruck eines Lebensgefühls. Natürlich wären für diese Musikrichtung auch noch andere Bands zu nennen, natürlich Suede und Pulp, aber auch zum Beispiel Manic Street Preachers, The Verve, Supergrass, Ocean Colour Scene, Ash, Kula Shaker, manche sagen ja auch Radiohead etc., doch insbesondere Blur und Oasis haben wahrscheinlich nicht nur bei mir diesen großen Eindruck hinterlassen, und das nicht nur wegen ihres kommerziellen Erfolgs damals. Welche(r) Tonträge(r) mit welchem/n Song(s) das dann genau ist/sind, da kann man sicherlich unterschiedlicher Meinung sein. Der „Battle Of Britpop“ ist ja im Zuge der Veröffentlichung der beiden Singles – Blurs Country House aus dem Album The Great Escape und Oasis‘ Roll With It aus (What’s The Story) Morning Glory?, die beide 1995 erschienen – entstanden. Dabei hatten beide Gruppen schon vorher geniale Werke veröffentlicht. Blur legte mit Leisure 1991 allerdings noch ein kommerziell nicht sonderlich erfolgreiches und von der Kritik wenig begeistert aufgenommenes, zum Beispiel Shoegaze und Madchester-Sounds kombinierendes Debüt vor. Doch mit Modern Life Is Rubbish (1993) wurde der Britpop eindrucksvoll von den Londonern eingeleitet. Mit Parklife ein Jahr später setzten sie einen qualitativ hohen Standard, der die grundlegenden Zutaten des Genres pointiert und musikalisch kraftvoll zum Ausdruck brachte. Großartige Songs wie Girls & Boys, der Titelsong, End Of A Century oder This Is A Low, ich persönlich liebe auch Tracy Jacks! Die Kommentare zu den sozialpolitischen Verhältnissen in stark geschriebenen Texten, die vor allem mit viel Humor und Spaß glänzten. Dann die musikalische Offenheit gegenüber den verschiedensten Stilrichtungen (hier unter anderem Punk, Psychedelia, Synthie Pop und Walzer). Später ging das ja bei Blur auch nach dem Britpop weiter, mit großartigen Leistungen auf Alben wie auf Blur (1997), 13 (1999) oder Think Tank (2003). Parklife habe ich damals von einem Freund auf CD geschenkt bekommen, zusammen mit Leisure und Modern Life Is Rubbish. Das hier besprochene Werk ist bei aller Wertschätzung des letztgenannten das einzige, was ich auch heute noch regelmäßig höre. Großartig! Apropos großartig, das sind auch noch immer die beiden ersten Alben von Oasis, die ebenfalls fantastische Texte (von Noel Gallagher) und vielseitige, im positiven Sinne großspurige Musik (aus unter anderem Punk, Psychedelia) boten. Definitely Maybe (1994) mit Hammer-Songs wie Supersonic oder Live Forever war das kommerziell erfolgreichste Debüt aller Zeiten in Großbritannien. Dem wurde nur ein Jahr später der nicht minder fantastische Nachfolger (What’s The Story) Morning Glory? hinzugefügt, mit diesen auch heute noch von allen zurecht angestimmten Hymnen wie Wonderwall oder Don’t Look Back In Anger! Ich persönlich schätze das Zweitwerk sogar noch mehr, habe es in den über 25 Jahren so unglaublich viel gehört. Ich erinnere mich auch, wie wir das Album im Party-Keller eines Freundes – jährlich zu dessen Geburtstag – aufgelegt und die Hymnen feierlich mitgesungen haben! So gut waren die Jungs aus Manchester um die so oft zerstrittenen Gallagher-Brüder danach nicht wieder! Doch Oasis und Blur haben mich mit ihren Genre-Werken gleichfalls begeistert, Britpop at its best, das nun wirklich keinen „Battle“ nötig hat!
Beide Werke, Parklife und (What’s The Story) Morning Glory?
Okay, ich stelle es von vornherein klar: dieses Debüt der Newcomer-Band Squid aus Brighton kommt hier keineswegs wegen einer möglichen miesen Qualität, seiner Mittelmäßigkeit oder sonstiger eher negativer Aspekte in die „Kontrovers“-Sparte! Ich sage es direkt: Bright Green Field ist auch in meinen Augen wahnsinnig gut und wird sicherlich in einigen Bestenlisten des Jahrgangs 2021 landen! Ich weise diesmal nur kurz darauf hin, dass es bei meinem Lieblings-Label Warp Records erscheint, einer Stätte für experimentelle und hochqualitative Musik – seit mehr als 15 Jahren eben auch außerhalb der ambitionierten Electronica! Passt halt darauf, mit dieser unwiderstehlichen, absolut bestechenden Mischung aus Punk, Rock und New-Wave! Produzent dieses Debüts war zudem Dan Carey, der schon einige der momentan angesagtesten und großartigen Post-Punk-Bands (u.a. Black Midi mit ihrem grandiosen 2019er-Erstling Schlagenheim, aber auch Fontaines D.C. mit ihren beiden Werken sowie viele andere auch „Genre-fremde“ Bands) in dieser Funktion erfolgreich begleitet hat. Das gibt dem Sound die unwiderstehliche Kraft und gleichzeitige Eleganz! Klar, in den Texten lassen sich einige sozialkritische Messages erkennen, die im (Post-)Punk nun wahrlich nicht ungewöhnlich sind. Doch es erstaunt, wie aufgeräumt und reflektiert Squid hier vorgehen, dabei ein pessimistisches Bild der Zukunft als Warnung aufzeigen und diesen Botschaften mit diesen experimentellen Sounds voller Überraschungen Ausdruck verleihen! Der Hype war im Vorfeld schon groß, doch hier scheint er auch letztlich vollends berechtigt! Die Wertungen der Kritiker/innen sind in der Mehrheit überaus positiv, wobei ich vor allem in den deutschen Musik-Magazinen noch Zurückhaltungen festgestellt habe – auch wenn das natürlich eher Meckern auf hohem Niveau ist! Ich finde Bright Green Field wie gesagt schon jetzt fantastisch! Was sagt ihr? Bin mal gespannt, was ihr dazu sagt!
Sie gehört zu meinen Lieblingsbands, die Brit-Pop-Band Blur. Natürlich möchte ich den Anteil von Graham Coxon, Alex James und Dave Rowntree am künstlerischen als auch kommerziellen Erfolg der Formation nicht kleinreden, aber betrachtet nur einmal die Geschichte und die damit zusammenhängenden weiteren Erfolge anderer Musikgruppen, an denen er beteiligt war, dann stellt sich auf keinen Fall die Frage, wer hier auf jeden Fall eine treibende Kraft dahinter dargestellt hat. Dieser 1968 in London geborene Herr kann mit Recht als eine der auch heute noch künstlerisch aktivsten und vielseitig versiertesten Persönlichkeiten im Musik-Business angesehen werden: Damon Albarn. Man schaue sich nur mal die Bands und Projekte an, in denen er neben den großartigen Blur musiziert (hat) bzw. er beteiligt war/ist: The Good, The Bad & The Queen, Rocket Juice & The Moon, DRC Music, The Heavy Seas, sein Solo-Album (Everyday Robots von 2014), natürlich seine Arbeiten an Mali Music (2002), seine Organisationen (Africa Express z.B.), seine Soundtrack-Arbeiten, seine Oper Monkey: Journey To The West (2008), seine unzähligen Kollaborationen darüber hinaus (Massive Attack, The Strokes usw.) und und und…Zudem darf natürlich jene Band nicht vergessen werden, die neben Blur ebenfalls zu Albarns künstlerisch und kommerziell erfolgreichsten Formationen gehört: die Gorillaz. Sie wurde schon 1998 von ihm zusammen mit Jamie Hewlett (unter anderem Miterfinder der Comics um Tank Girl) gegründet. Somit zu einer Zeit, kurz nachdem Blur gerade Erfolge mit ihrem selbstbetitelten Album und vor allem der Single Song 2 gefeiert und sich erfolgreich vom Brit-Pop emanzipiert hatten. Mit der neuen Band ging es noch weiter weg vom Sound alter Tage, vor allem mit einer neuen visuellen Erscheinung. Denn handelte sich um eine aus vier animierten Figuren (repräsentativ für Albarn, Hewlett, Del Tha Funky Homosapien und Miho Hatori) bestehende Gruppe, die fortan einen wahrlich mannigfaltigen Soundmix zusammen mit verschiedensten namhaften Gästen (u.a. Ibrahim Ferrer, Dan The Automator) präsentieren sollte, der unter anderem unterschiedlichste Pop- und Rock-Richtungen, Hip-Hop, Electronica, Funk sowie verschiedene World Music-Elemente umfasste. Im Jahr 2001 wurde dies effektiv und für mich unvergesslich umgesetzt, nämlich auf dem selbstbetitelten Debüt! Wer erinnert sich nicht an die unvergleichlichen, von Jamie Hewlett (zum größten Teil in Zusammenarbeit mit Pete Candeland) gedrehten Videos zu den allesamt fabelhaften Singles Clint Eastwood, 19-2000, Rock The House und Tomorrow Comes Today? Ich habe sie erstmals klassisch im Musik-Fernsehen (VIVA, VIVA Zwei, MTV) gesehen und war sofort fasziniert! Was für fantastische, einige Ohrwürmer bereitende Klänge, die auch 20 Jahre nach Entstehung nichts von ihrer Zugkraft verloren haben. Die beiden direkten Nachfolger des Debüts – Demon Days (2005, mit der Super-Single Feel Good Inc.) und vor allem Plastic Beach(2010) – haben mir ebenfalls unheimlich gut gefallen, doch das Original wird meiner Meinung nach nicht geschlagen. Neben Blur gehören auch die Gorillaz seitdem auf jeden Fall zu meinen All Time-Lieblingsbands!
P.S.: Ich hatte lange Zeit einen Klingelton von Rock The House. Eines Tages hatte ich vergessen das Handy auf „lautlos“ zu stellen und es ging während einer Vorlesung an der Uni los. Ein Kommilitone pfiff daraufhin sofort die Melodie mit. Spricht für die Beliebtheit und die Ohrwurm-Qualität der Gorillaz, oder?
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