Ich sage es jetzt mal direkt und frei heraus: ich bin enttäuscht! Das norwegische Duo um Svein Berge und Torbjørn Brundtland hat mich mit ihrem bis heute unvergleichlichen 2001er-Debüt Melody A.M. direkt gefangen genommen! Das waren so wunderbare Songs wie So Easy, Eple, Poor Leno oder Remind Me, die im Spannungsfeld von Ambient / Downtempo, Pop sowie den verschiedensten Electronica-Spielarten zwar nicht komplett neue, aber überaus spannende Wege fanden. Absolut nachhaltig, auch nach jetzt 21 Jahren (!). Die Nachfolge-Alben waren ebenfalls klasse, auch wenn die Melodien sich nicht so sehr im Ohr festsetzten wie die des besagten Erstlingswerkes. Die „Zwillings“-Platten Junior (2009) und Senior (2010) haben sich gut ergänzt mit den jeweils verschiedenen Bezugnahmen auf Electronica- und Ambient-Klänge, auch wenn erstgenanntes Album mir etwas besser zu gefallen verstand. Nun geht Röyksopp ja mit den Profound Mysteries eine dreiteilige Reihe an. Nah dem ersten, wirklich tollen Werk aus dem April, auf dem ja unter anderem Alison Goldfrapp als Feature zu hören war, kommt nun der Nachfolger. Ich muss den Anfang noch einmal aufgreifen, ich bin enttäuscht. Denn die Melodien, die hier zu hören sind, verbergen zwar teilweise wirklich interessante Ansätze, aber diese werden leider nicht ausdefiniert. So bleiben zwar wieder Sounds, die im Spannungsfeld von Ambient und Electronica angesiedelt sind, die auch an die seligen 1990er/2000er-„Chillout“-Melodien der Café Del Mar-Compilations erinnern – auf denen sich ja die Songs von Röyksopp ebenfalls wiederfanden – , aber leider auch wenig neue Ideen präsentieren. Dies unterscheidet sich dann doch auch sehr von dem Vorgänger, auf dem es dem Duo noch gelungen war. Mal schauen, was Teil III dann im November bieten wird, aber das hier ist angesichts meiner Ansprüche doch etwas zu wenig. Keine Katastrophe, aber eben auch nicht zwingend. Was sagt ihr zu dem Album? Ich bin gespannt auf eure Meinungen.
Monat der Comebacks, Part 4: Vor einigen Jahren – es muss die Zeit gewesen, als der US-amerikanische Produzent James Hinton alias The Range sein Studioalbum Potential (2016) veröffentlichte – fragte mich ein Freund, ob ich von diesem bereits gehört hätte. Hatte ich damals noch nicht, doch ich fand insbesondere das besagte Werk ziemlich spannend, da hier Tracks sich spielerisch leicht zwischen Electronica und Experimental bewegten und neue Ansätze gewagt wurden. Es wurde ja auch einiges an Aufwand betrieben, unter anderem hat Hinton wohl aus über 200 Stunden YouTube-Material seine Samples gesammelt und einzigartige klangliche Mixturen erschaffen (er soll auch einige von den Personen, deren Stimmen gesamplet wurden, an dem Gewinn der LP beteiligt haben). Ich stieß dann auf ein weiteres Album von The Range, nämlich den Vorgänger Nonfiction (2013), der ebenfalls schon diesen Wagemut in all seinen Facetten erkennen ließ. Soll doch einer mal behaupten, es kämen aus dem Bereich der elektronischen Musik keine Innovationen mehr. Nun, nach eben diesen 6 Jahren Pause seit Potential kommt Mercury nach dem ersten Hören vielleicht nicht direkt innovativ herüber, doch wenn dem Werk etwas Zeit gewidmet wird, dann eröffnen sich einem schon viele atmosphärische Klangstrukturen, die dem Hörer musikalische Ausflüge u.a. in R&B/Soul, Hip-Hop und – klar – verschiedene Stilarten der Electronica bieten. The Range hat seine Sounderkundungen ganz sicher noch nicht beendet!
Im Jahr 2018, als das zweite Studioalbum El Mal Querer veröffentlicht wurde und die Musikkritiker/innen in der Folge in Aufruhr versetzt wurden, hatte ich wohl meine Ohren nicht bei mir. Denn anders lässt es sich wohl nicht erklären, dass ich zunächst nichts mitbekommen hatte. Ich bin zwar kein ausgewiesener Experte in Sachen Sounds, die sich außerhalb der räumlichen Sphären west- und mitteleuropäischer bzw. US-amerikanischer Musikkulturen bewegen, aber dennoch bin ich doch stets interessiert an Klängen in Bereichen weitab des Mainstreams und vor allem aus anderen Ländern und von anderen Kontinenten. Insbesondere aus dem Grund, dass ich ja auch die Medien verfolge, in denen unter anderem Rosalías besagtes Zweitwerk besprochen wurde. Immerhin habe ich es dann bei den „Besonderen Erwähnungen“ des Jahresrückblicks aufgenommen. Nun gut, kann man ja mit dem dritten Album der 28-jährigen Spanierin nachholen, dass man sich mit der Musik von ihr genauer auseinanderzusetzen versucht. Auf Motomami werden erneut die verschiedensten Stile zusammengeführt, zentral im Reggaeton zu verorten, aber auch vor allem sich in experimentellen Pop-Bereichen ausprobierend und dann in die verschiedensten und im ersten Moment kaum zu erwartenden Ecken ausufernd, dass es eine wahre Freude ist. Die unterschiedlichsten Größen waren in der ein oder anderen Art behilflich (u.a. James Blake und The Weeknd). Dazu – passend zu der klanglichen Experimentierfreude – wird hier die Metaphorik des sich wandelnden Schmetterlings präsentiert. Die Musikkritiker/innen sind auf jeden Fall wieder in Aufruhr versetzt wie damals 2018, eigentlich sogar im Vergleich noch mehr. Der Metacritic-Score liegt bei sage und schreibe 94 von 100! Ich kann diese Begeisterung nachvollziehen, wenn auch nicht in diesen hohen Sphären. Die Platte ist von den Stimmungen her unheimlich vielseitig angelegt, doch ich bin trotzdem noch nicht ganz so mitgerissen. Vielleicht kommt das noch, könnte schon sein. Versteht mich bitte nicht falsch, das ist grandios, aber in meinen Augen halt noch nicht das epochale Meisterwerk, für das es bereits so vielfach gehalten wird. Vielleicht bin ich aber doch einfach ignorant 😊 Was haltet ihr von dem Album? Ist es für euch besagtes Meisterwerk? Auf eure Reaktionen bin ich gespannt!
Ich finde die Musik von Marius Lauber alias Roosevelt wirklich ziemlich gut. Von seinen Live-Qualitäten konnte ich mich vor ein paar Jahren in der Kölner Live Music Hall überzeugen. Von seinen Studio-Alben bin ich ebenfalls angetan. Gerade das selbstbetitelte Debüt (2016) hat mich vollends überzeugt, hatte es (mit u.a. mit Colours , Fever und Night Moves) wirklich kraftvolle Songs zu bieten, die moderne Electro-/Dance-Musik (im Stile von Hot Chip) mit Elementen des „klassischen“ Synthie-Pop (Human League, New Order etc.) und einer großen Portion Individualität zusammenführte. Der Nachfolger Young Romance bereitete mir ebenfalls richtig Laune, auch wenn er nicht ganz die Qualität des Erstwerks erreichen konnte. Nur oberflächlich betrachtet waren das marginal veränderte Zutaten im Vergleich zum Vorgänger, denn auf den Songs des Zweitlings wurde Ausschau nach weiteren Stilrichtungen gehalten. So stellt sich anlässlich der Veröffentlichung des dritten Studio-Albums Polydans die Frage, ob und inwieweit Roosevelt sich musikalisch weiterentwickelt. Ich muss zugeben, dass ich gerade nach dem ersten Hören ein bisschen den Eindruck gewonnen hab, dass der 30-Jährige sich nun doch wiederholt, im Grunde genommen ähnliche Songs produziert hat, die sich letztlich nicht wirklich voneinander unterscheiden. Das ist ja teilweise auch in einzelnen Kritiken zum Album zu lesen. Das wird Polydans meiner Meinung nach (vor allem nachdem ich es ein paar weitere Male gehört habe) dann doch nicht richtig gerecht. Denn hier wird fleißig, aber nicht unoriginell – die Geschichte der Electro-/Dance-Historie zitiert, u.a. gibt es hier eindeutige Referenzen auf die (genialen und sich entsetzlicherweise kürzlich aufgelöst habenden) Daft Punk und ihre Sounds der Random Access Memories-Phase. So mancher Song vermittelt Energie und Originalität und verarbeitet originell verschiedenste Musikstile. Vor allem wird hier zum Glück nicht alles nur mit purer Ernsthaftigkeit angegangen wird, eine ordentliche Prise (1980er-)Nostalgie und Kitsch wird mit draufgepackt! Das kann man doof finden und ist vielleicht letzten Endes nicht wirklich originell, aber ich bin der Meinung, dass man es Roosevelt keinesfalls übelnehmen kann, dass er uns in diesen Zeiten Fröhlichkeit und Lust aufs Tanzen vermitteln möchte. Ich finde Polydans schwer in Ordnung! Wie findet ihr das Album? Auf eure Meinungen bin ich gespannt 😊
Gerade in diesen Zeiten – aber natürlich auch darüber hinaus – bin sicher nicht nur ich eher für die optimistisch-gestimmten, leicht-lockeren, gemütlichen Töne zu haben. Im Bereich des Films und der Serie habe ich da die Tendenz, möchte lieber die Geschichten sehen, die mir im Stile eines Little Miss Sunshine oder Almost Famous (einer meiner Lieblingsfilme) eher vermitteln, dass Werte wie Familie, Freundschaft, Liebe und Glück im Leben zählen. Generell gesehen sind es auch Momente wie zuletzt bei The Mandalorian Baby Yoda zu sehen, die mir Freude bereiten. Im Bereich der Musik war es letztens sicherlich kein Zufall, dass ich das Live-Album von Belle & Sebastian (von euch gerade zum Album des Monats Dezember hier bei hicemusic gewählt) so toll fand und es mir einige Male angehört habe. Wenn da jetzt der kanadische Künstler Mike Milosh mit seinem Projekt Rhye ein Album veröffentlicht, das Home heißt, bin ich schon neugierig. Musikalisch gibt es das ja her, rangieren die Klänge, die er produziert, im Großen und Ganzen im Feld von Pop/R&B und Soul (mit Elementen aus Jazz, Funk und Electronica u.a.), die von vornherein wohl eher Wärme vermitteln. Es werden auch thematisch positive Aspekte in den Fokus gerückt, Liebe und Sex aus unterschiedlichen Perspektiven in all ihren Ausdrucksformen beleuchtet. Das gefiel mir vor allem auf dem noch mit Ex-Mitglied Robin Hannibal entstandenen Debüt Woman (2013), mit klasse Songs wie Open und The Fall. Nach den beiden okayen Nachfolgern Blood (2018) und Spirit (2019) war ich wie bereits erwähnt neugierig, was Home aufbietet. Milosh bezieht den Titel auf das Persönliche, da er in Los Angeles seine Heimat gefunden hat und eben die positiven Erfahrungen in dem Zusammenhang in den Vordergrund gerückt werden. So habe ich mit der Annahme des Optimistischen natürlich nicht falsch gelegen, denn auch die Liebe und die Leidenschaft erscheinen hier im selbigen Licht. Über das Musikalische lässt sich sagen, dass die Songs erneut super instrumentiert sind, die Sounds bei aller Unaufgeregtheit trotzdem oder gerade deswegen schön zu hören sind. Gefällt mir im Gesamten, aber wahrscheinlich auch kein Wunder, oder?
Es ist schon immer wieder schön zu merken, wie sehr Erinnerungen mit bestimmter Musik verbunden sind. Erst letztens habe ich in einer alten CD-Sammlung im Haus meiner Mutter gestöbert und einige Klassiker entdeckt. Da empfand ich schon ein bisschen Wehmut und auch Trauer, da sie meinem Vater gehörten, der – wie ich ja an dieser Stelle schon öfter erwähnt habe – mich musikalisch sehr geprägt hat. Er war den verschiedensten Genres gegenüber aufgeschlossen, neben Progressive Rock (im Stil von Van der Graaf Generator, Yes oder die „frühen“ Genesis) und generell „Classic“-Rock (à la Led Zeppelin, Black Sabbath, Pink Floyd, Deep Purple etc.) sowie verschiedenen Formen des Jazz (u.a. Miles Davis, Herbie Hancock, Jaco Pastorius) auch eher Selteneres und „Obskures“ als auch eben viele „neuere“ Strömungen, d.h. in dem Fall Bands der 1990er und frühen 2000er Jahre. Neben Electro/Ambient (The Chemical Brothers, The Prodigy, Moby etc.) vor allem auch unterschiedliche Rock- und Metal-Stile (z.B. Pearl Jam oder Rammstein, mit denen er die Nachbarn zu deren „Freude“ oft beschallte). Darunter fanden sich auch die Red Hot Chili Peppers und ihr (später kommerziell unglaublich erfolgreiches) Werk Californication. Mit diesem Album verbinde ich zudem eine weitere Erinnerung: den Kunst-Unterricht in der 10. Klasse. Damals hatten ein Freund von mir sowie weitere Klassenkameraden immer die neuesten Alben der Zeit, die dann gehört wurden, während wir im Kunst-Raum zeichneten, bastelten oder was auch immer machten. Der Lehrer, jetzt aus meiner Erinnerung heraus kein unbedingter Fan, ließ uns aber diese Freude. Dieser Freund (übrigens derselbe, den ich in der The Naked And Famous-Review erwähnte) hatte eines Tages eben jenes Californication dabei. Ich selbst war zu der Zeit noch nicht so ganz entschlossen, was das Musikalische anging, ich hörte viel aus den Charts und aus dem Radio (von 1 Live etc.). Doch es gab immer mal wieder einen Hoffnungsschimmer am Horizont bei mir, immer wieder wurde ich von bestimmter Musik gepackt, neben sowas wie Rage Against The Machine waren es eben jene Red Hot Chili Peppers, die ich vergötterte. Ich mochte ihr Meisterwerk Blood Sugar Sex Magik (1991) mit diesen unglaublichen Hymnen wie Under The Bridge oder Give It Away schon damals, auch das von Fans und Kritikern weniger geliebte One Hot Minute (1995) schätzte ich dank Aeroplane sehr. Doch richtig verliebt war ich in die Musik erst seit Californication, schon ab dem Moment, als die Klänge erstmals im Kunst-Unterricht ertönten. Was für Riesen-Songs darauf versammelt sind! Da wären zunächst die sechs unnachahmlichen Singles des Albums: natürlich Scar Tissue, Around The World (die das Werk großartig einleitet), Otherside, der geniale Titelsong, das wundervoll-introvertierte Road Trippin und Parallel Universe. Aber da sind ja noch die anderen Kompositionen wie das mitreißende Purple Stain, das stimmungsvolle Savior oder das kraftvolle I Like Dirt, ach das ist alles wunderbar. Diese Melodien! Nicht zu vergessen, die Themen, die hier wirkungsvoll und erstaunlich selbstreflektiert verarbeitet werden. Da wären zum einen sehr persönliche Angelegenheiten, wie die jahrelange Drogensucht aller Mitglieder sowie verschiedene Bezugnahmen auf sexuelle Angelegenheiten und auch auf die wechselhaften Momente der Karriere. Doch auch Tod, Selbstmord und gesellschaftspolitische Entwicklungen werden in den Fokus genommen (z.B. Globalisierung oder übertriebener Schönheitswahn). Überhaupt, sind die Leistungen aller Mitglieder hier lobend hervorzuheben. Vor allem Rückkehrer John Frusciante (der Dave Navarro ersetzte) erfüllte die Hoffnung der Band auf eine kreative Fortentwicklung im Sound mit unglaublich (ausdrucks-)starkem Gitarrenperformances. Diese Leistungen aller beteiligten Musiker/innen am Album wurden kongenial eingefangen von Stamm-Produzent Rick Rubin (seit Blood Sugar Sex Magik für sie tätig, erst 2016, auf The Getaway, wurde von den Red Hot Chili Peppers ein Anderer beauftragt, nämlich Danger Mouse)*. Die nachfolgenden Alben konnten da nicht mehr das Wasser reichen, auch wenn ich By The Way (2002) fantastisch finde. Blood Sugar Sex Magik ist vielleicht im Band- und im pophistorischen Kontext das wichtigere Werk, aber rein aus subjektiven Gesichtspunkten, insbesondere wegen der anfangs erwähnten persönlichen Erinnerungen, hat Californication einen ganz besonderen Platz in meinem Herzen eingenommen.
* Es gibt allerdings nicht wenige Menschen, die das Album wegen der schlechten Soundqualität, der Übersteuerungen, kritisieren. So soll das Online-Magazin es als „Opfer des Loudness War“ bezeichnet haben (es gab wohl auch eine Petition für eine Überarbeitung laut Wikipedia). Kann sein, stört mich persönlich aber nicht 😊
El-P und Killer Mike haben den Release ihrer neuen LP vorgezogen. Zwar nur um zwei Tage, aber die Botschaft dahinter erscheint viel bedeutender angesichts aktueller sozialpolitischer Geschehnisse. So schrieb das Duo auf Instagram: „Fuck it, why wait. The world is infested with bullshit so here’s something raw to listen to while you deal with it all. We hope it beings you some joy. Stay safe and hopeful out there and thank you for giving 2 friends the chance to be heard and do what they love. With sincere love and gratitude, Jaime + Mike.“ Dazu kann das Album auch gratis heruntergeladen werden (was laut NME aufgrund der immensen Nachfrage auf der entsprechenden Seite wohl nicht mehr möglich ist), mit der Option an das MDC (The Mass Defense Committee), ein Netzwerk zur Unterstützung verschiedener Protestbewegungen, zu spenden. Eindeutige Stellungnahmen zu gesellschaftspolitischen Ereignissen haben Run The Jewels schon auf den vorherigen Werken vorgenommen, ihr letztes kam zu der Zeit heraus, als Donald Trump im Weißen Haus seine Amtszeit begann. Nun ist RTJ4 veröffentlicht worden, und wir alle wissen über die derzeitige Lage in den USA im Zusammenhang mit dem Tod von George Floyd und den Protesten der Black Lives Matter Bewegung gegen Polizeibrutalität Bescheid. Gerade El-P und Killer Mike haben ihre Wut über Rassismus gegenüber der afroamerikanischen Bevölkerung, aber auch generell gegen Minderheiten, ausdrucksstark zu Gehör gebracht und dabei stets kein Blatt vor den Mund genommen, sind dabei immer wieder tragischerweise aktuell. Rassismus und Fremdenfeindlichkeit bleiben einfach leider dauerhafte Themen. Deshalb ist es wirklich wichtig, dass Run The Jewels da sind, die sich auf diesem Album als „Yankee And The Brave“ dagegen zur Wehr setzen…und wie sie das tun! Absolut kraftvolle Beats und vielschichtige Rhythmen, großartig eingesetzte Samples, die allesamt mit ihrer Direktheit und Kompromisslosigkeit mich in ihren Bann gezogen haben. Die Düsternis und Aggressivität, diese vielsagenden und angesichts der aktuellen Geschehnisse eben gegenwärtigen Texte, das ist auf allerhöchstem Niveau. RTJ4 bietet zudem wieder einige namhafte Gäste auf, die sich hier solidarisieren, neben Pharrell Williams auch unter anderem Josh Homme (auch Co-Produzent des Albums), 2 Chainz, Mavis Staples und Zack De La Rocha (der ja einst mit Rage Against The Machine geniale, im höchsten Maße politisch motivierte Musik erschuf). Nicht nur für mich eine der besten und relevantesten Veröffentlichungen des Jahrgangs 2020, das bestimmt noch an Bedeutung hinzugewinnen wird! Schon jetzt meisterhaft!
In knapp drei Wochen werde ich mir die Live-Show von Marius Lauber aka Roosevelt in der Kölner Live Music Hall anschauen. Da bin ich schon ziemlich gespannt darauf, gerade weil ich ihn zu Zeiten seines zu Recht gefeierten Debüts (2016) nicht auf einer Bühne erleben durfte bzw. es aus meiner leider allzu häufigen Nachlässigkeit, mich nach Konzerten in meiner Nähe umzuschauen, verpasst habe. Erwartungen hatte ich auch angesichts des Nachfolgers, als dieser angekündigt wurde. Gleichzeitig war ich natürlich ebenso etwas skeptisch, ob dieser ihnen standhalten kann. Wäre ja nun wirklich nicht das erste Beispiel! Bei der Klasse des Erstlings – auf dem der Kölner so gekonnt aktuelle mit klassischen Electronica-Strömungen vereinte, wahrlich hitverdächtigen und gleichzeitig ambitionierten Elektro-/Synthie-Pop produzierte – war es eigentlich schon zu befürchten, dass Young Romance nicht ganz in der gleichen Liga spielt. Als ich das Album das erste Mal durchhörte, war ich tatsächlich auch nicht sonderlich angetan, dachte, dass Roosevelt doch nur eine zweite Version des Debüts abgeliefert habe. Damit hätte ich trotz kaum zu leugnender Parallelen dem neuen Werk Unrecht getan. Wie wichtig es doch ist, mehrere Hördurchläufe zu unternehmen! Denn Roosevelts Konzeption von elektronischer Popmusik ließ sich hörbar noch weiter ausarbeiten, mit frischen neuen Ideen zwischen Dance, Disco, House und Chillout. Er ist ja längst nicht nur in Deutschland bekannt, man weiß schon genau weshalb. Würdiger Nachfolger, bei dem vor allem der Anfang überzeugt!
Die Briten Radiohead gehören zweifelsohne zu meinen All-Time Lieblingsbands, das wird sich bestimmt niemals ändern! Ich werde ihnen auf ewig dankbar sein für ihren Mut, ihren unbedingten Willen, der Pop-Musik DEN innovativen Stempel aufzudrücken, dabei null Kompromisse eingegangen zu sein, sich von den gängigen, konventionellen Strukturen entfernt zu haben! Damit beziehe ich mich vor allem auf jene Phase kurz vor und nach der Jahrtausendwende, als drei gigantische Werke entstanden, die mich auch heute noch jedes Mal gefangen nehmen, mich fragen lassen, wie es nur möglich ist, solch überwältigende Musik produzieren zu können. Meine ersten Erinnerungen habe ich an Radiohead in Zusammenhang mit einer MP3-Sammlung eines Kumpels, die ein paar Songs ihres zweiten, auch schon fantastischen Studioalbums The Bends (1995) enthielt, ich meine es waren High And Dry und Street Spirit (Fade Out). Es muss so 1997/98 gewesen sein, als OK Computer bereits erschienen war. Mir wurde schon damals irgendwie klar, dass die Musik der Briten um Thom Yorke kaum noch mit den damals vorherrschenden Britpop- und Alternative-Rock-Klängen der 1990er Jahre gleichzusetzen ist. Denn auch auf besagtem Zweitling deuteten sich, im Gegensatz zum Debüt Pablo Honey (1993) – das bis ein paar Ausnahmen, allen voran das sensationelle Creep (mit dem wahnsinnig genialen Gitarren-Sounds von Jonny Greenwood, die schon damals aus seiner Unlust heraus entstanden, die ursprünglich vorgesehenen konventionellen Melodien zu spielen) noch nicht so wagemutig daherkam – erste unkonventionelle Elemente an. Ja, und dann erschien das erstmalig komplett von ihrem späteren Langzeitproduzenten Nigel Godrich betreute OK Computer, ein Meilenstein in der Diskografie von Radiohead, der noch einmal eine gehörige Schippe drauflegte in Sachen Innovation. Es ging um höchst verstörende und beängstigende Themen, unter anderem um Isolation, Entfremdung, um die Verlorenheit des Individuums in der Gesellschaft (mit Verweis auf Literatur, z.B. von Noam Chomsky und Douglas Adams). Vor allem das Musikalische: erste Schritte in eine komplett andere Richtung, man begab sich auf die Spuren Pendereckis und anderer Komponisten zeitgenössischer Avantgarde, es flossen Elemente des Art- und Progressive-Rocks ein. Absolute Spitze, mit herausragenden Songs wie Paranoid Android, Karma Police uvm., auf einem Werk, das so viele nachfolgende Künstler/innen inspirieren sollte Musik, die jederzeit die verschiedensten Wendungen nimmt, sich niemals auf der Stelle bewegt, sondern vor Ideen nur so strotzt! Wie so oft, habe ich etwas gebraucht, um die Musik in ihrer Gesamtheit zu erfassen. Aber als es dann so weit war, war ich hingerissen. Ja und dann: Ende 2000 der absolute Wahnsinn, Kid A. Thom Yorke sang weiterhin über höchst „unbequeme“ Themen, begleitet von wagemutigen Klängen und Rhythmen, erzeugt von einem vielseitigen Instrumentarium (u.a. einer Ondes Martenot), inspiriert von den unterschiedlichsten Genres, die hier phänomenal vereint wurden. Progressive-, Experimental-, Art- und Post-Rock, Jazz, Neue Musik, Ambient (Vorbilder: Brian Eno über Pink Floyd, Can, Neu! bis Miles Davis uvm.), vor allem ambitionierte Electronica, Yorkes Begeisterung für Künstler/innen wie Aphex Twin, Boards Of Canada, DJ Shadow, aber auch Kraftwerk hatte durchschlagende Wirkung erzielt! Kid A ist eines der besten Alben der 2000er Jahre für mich, wenn nicht sogar aller Zeiten! Etwa ein halbes Jahr später kam dann noch Amnesiac heraus, das alles andere als ein „Kid A 2“ ist, ebenso großartig wie die beiden Vorgänger, mit einem monumentalen Pyramid Song (diesen hörte ich zum Zeitpunkt des Releases während einer nächtlichen Autofahrt, er zog mich sofort in seinen Bann) und einer weiterhin festzustellenden beneidenswerten Kompromisslosigkeit. Danach brachte das Quintett weitere geniale Alben (u.a. Hail To The Thief, In Rainbows) heraus, dennoch sind die hier aufgeführten Werke meine absoluten Highlights! Radiohead, my heroes!
Manchmal bin ich wirklich simpel gestrickt, obwohl es in jenem Fall nun wirklich nicht beabsichtigt war. Als ich Ende 2015 auf einem Konzert von (dem damaligen Duo) Rhye war, von deren Existenz ich zu dieser Zeit noch nicht lange wusste, suchte ich recht angestrengt nach der Sängerin der Band. Auf die Idee, dass auf den Songs der Band eine männliche Stimme zu hören sein könne, kam ich in meiner Naivität nicht. Mike Milosh und Robin Hannibal stellten die Musik ihres prächtigen, 2013 veröffentlichten Debüts Woman vor, unter anderem mit den klasse Singles Open und The Fall. Ich war fasziniert, fand diese Mischung aus Pop, R&B, Soul, elektronischen Elementen im Downtempo-Stil , etwas Jazz und Funk auch live ansprechend. Jetzt, wo der Nachfolger erhältlich ist, handelt es sich bei Rhye nur noch um ein Soloprojekt, denn Hannibal ist seit letztem Jahr nicht mehr mit an Bord. Milosh hat hohen Produktionsaufwand betrieben, alle Instrumente selbst eingespielt. Er beschäftigt sich erneut mit Liebe, Sex und Leidenschaft, glaubwürdig umrahmt von überwiegend ruhiger, intimer Musik. Dennoch – ich kann mir leider nicht helfen – bin ich nicht so begeistert, wie ich es bei Woman war. Gerade zu Beginn kommt die Musik trotz origineller instrumenteller Arrangements (z.B. im Funk-Stil) nicht richtig in Schwung. Andererseits, weshalb ich auch hin- und hergerissen bin, ist die zweite Hälfte richtig groß geraten, vor allem mit Phoenix und Sinful (das Blood absolut überzeugend beschließt). Etwas Zurückhaltung in der Beurteilung halte ich aber (noch) für angemessen!
hicemusic - Neue Musik im Check 